Piedra Rosa la table sculptée par Pablo Figuera et Álvaro Goula
Pablo Figuera et Álvaro Goula, deux jeunes designers espagnols nous présentent Piedra Rosa, une réinterprétation moderne de savoir-faire ancestraux.
Réalisées dans la région de Segovia en Espagne par des artisans sculpteurs de pierre utilisant la matière première de la région, la pierre rose (Piedra Rosa) est le seul composant de ces deux modèles de tables.
En allant un peu plus loin, les designers nous exposent leur vision :
« One often thinks of conceptual and commercial design as two contradictory terms, but the work of Pablo Figuera and Álvaro Goula finds itself in that intermediate point where commercial values and creativity meet and complement each other, creating a beauty business. “At the end of the day, people need beauty in their day to day lives, and businesses, as suppliers or creators of necessities, should provide beauty”.
When designing, from the very beginning, Álvaro and Pablo anchor themselves in an inalienable principle: the obsessive care of the object’s form, which manifests its aesthetic value in the expression of the material, the respect for the manufacturing process and, of course, its use. Their pieces strive to be elegant and easy to understand, with great care to detail, and honest but always avoiding fun references, superfluous decoration, and an appearance that goes beyond the use. They have never claimed to change the world of industrial design, but maybe, they have made it a little more beautiful, and easier to live in«
Ils prennent à contre pied le marché en simplifiant leur processus de distribution, en utilisant le matériau local, en réduisant ainsi les coûts de transport, sans que leur imagination créative n’en pâtisse.
Une création artisanale ..
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Veiled Lady lampe de dentelles métalliques par Damien Gernay
Damien Gernay, designer belge nous présente sa collection Veiled Lady, une famille de lampes et suspensions directement inspirées par la nature et plus précisément le champignon « phallus indusiatus« , auréolé d’une véritable robe de dentelles organiques.
Chaque pièce est unique, sculptée, forgée à la main, ces formes en nid d’abeille recoivent une douille de céramique pour la source lumineuse.
« This experimental research explores the idea of constraint nature, or how nature find his own way in a predefined structure, I call this organic anarchy«
La nature, aléatoire et capricieuse n’est pas imitable, mais l’on tente de s’en inspirer, Damien Gernay par ces lampes polymorphes aborde la notion »d’anarchie organique« …
Une philosophie interessante :
« My approach of the object is determined by a sensitive outlook on today’s world. I attempt to translate in 3 dimensions a world of perception: touch becomes volume, visual becomes color, and frequency becomes shape.
Material has its own vocabulary, I attempt to compose with it, to create my own language, based on applying, superimposing and confrontating different materials. Therefore the object gets a meaning. It evokes, insinuates, questions. Single or multiple, its meaning becomes coherent.«
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Memorabilia Factory les souvenirs en kit par Bold Design
Bold Design, studio français composé de William Boujon et Julien Benayoun diplômé de l’ESAD Reims, nous présente le projet Memorabilia Factory, véritable kit à fabrication de souvenirs !
Une véritable expérience….
La base du projet, « construire une œuvre à partir d’une autre« , ainsi les duo de designers réceptionne un « un détecteur de bactéries pour bac à sable et plage destiné à analyser la qualité du sable afin de repérer un environnement sûr pour les enfants.«
En partant de cet environnement, ils choisissent de retourner la chose en considérant la bactérie comme élément central et indispensable a leur future création.
Ils découvrent ainsi le Sporosarcina pasteurii, une bactérie célèbre sur les plages de Nouvelle-Zélandes et Australie car aidant à former les stromatolithes, d’énormes formations rocheuses aux formes façonnées par le temps, le vent… Cette bactérie responsable de la calcification du sable, inoffensive, est ré-utilisée par les designers afin de former un Kit permettant grâce à un moule, outils en bois et sable de créer vos propres formes et souvenirs !
Chaque création n’est qu’une recette, où chaque ingrédient se doit de recevoir des proportions maitrisées…
Une étude réalisée en partenariat avec Solétanche Bachy et le processus de Biocalcis®.
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Projet Is this it ? Entre Design et Magie
Le Beckmans College of Design durant la dernière édition de la Stockholm Furniture Fair à présenté son projet baptisé Is this it ?, réflexion de 13 étudiants autour d’une création, de son expression visuelle et de son contenu.
« Objects with integral questions, where the visual expression becomes an illusion of their content. »
Frida Jeppsson, commissaire de l’exposition soulève la relation entre Alchimie et Design, ainsi : « Scientists must have known that the alchemists would never succeed in creating gold by processing miscellaneous metals and scrap, but they continued regardless, says Jeppsson Prime; highlighting that it was perhaps the journey that mattered, not the end result.«
Ma vision du design et de la création en générale semble rejoindre celle de Frida Jeppsson : « Today we are used to the idea that a designer’s processes and stories are part of the product » Pour aller plus loin
A coffee table par Johan Lindberg
A cupboard par Lisa Berkert Wallard
An object for storage par Kajsa Lindström
A sideboard/cupboard par Hanna Dalrot
A chaise longue and floor lamp
A toolbox with construction kit for prototype visions par Susanne Ringström
A cupboard par Kristina Behrens
A cupboard and chair par Dennis Graben
A stool par Andreas Frienholt
A cupboard par Amanda Karsberg
Le projet, dans un véritable jeu de scène dispose d’une mise en valeur étonnant et décalée !
« The Visual Communication group developed an overall concept – Is this it? Aided by an illusionist, they want to show that there are many ways of perceiving a piece of furniture. What we perceive depends on our focus.«
Je ne suis pas philosophe, chacun pensera ou tirera les conclusions de cette exposition, mais la qualité de la réflexion, la qualité et diversité des créations ainsi que la qualité de la mise en valeur ne pouvait passer sous silence par ici…
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Lucy le tabouret en béton fibré par 2Tools Lab
Théo Leclercq et Simon Boldrini formant le 2Tools Lab nous présentent Lucy, un tabouret en béton fibré coulé dans un moule naturel.
Un moule de terre laissant une large partie au hasard sur la forme finale de l’objet réalisé. « Nous nous en remettons à la terre pour nous offrir à chaque fois une pièce unique« .
« Lucy représente ainsi une série d’objets archéologiques, marqués de l’empreinte du sol. Le béton capte et s’approprie l’aspect de la terre. Le démoulage s’apparente à une fouille, patience et délicatesse s’impose, la pièce se révèle au fur et à mesure que la terre est enlevée. La série, composée de tabourets et tables basses, est en cours de création. »
Une création pensée en imaginant tout d’abord le procédé de fabrication.
« Pour ce projet, l’idée est venue assez arbitrairement, puis toute une réflexion est née autour de ce procédé. Le choix du béton fibré, s’est fait en questionnant ce dernier sur ses réelles possibilités. Pour Lucy, la partie immergée (coulée sous terre) du tabouret nous informe de la nature du moule. En revanche, la surface qui émerge du moule met en avant la qualité de ce matériaux : un rendu lisse et sans fissures. » Simon Boldrini
« Produire sans être entièrement maître du résultat était une idée qui nous séduisait. C’est dans cet état d’esprit que nous avons établi notre procédé. A l’inverse des attentes d’une production industrielle nous recherchons l’imperfection, nous stimulons l’accident, la surprise qui confère une singularité à l’objet. Nous aimons voir dans les imperfections quelque chose d’infiniment plus précieux que la perfection. Elles sont uniques, non reproductibles, caractérielles. »Théo Leclercq
Redonner à la terre le choix de la création, une idée nous transportant, accentuer par son nom Lucy, en hommage à notre ancêtre découvert en 1974 en Ethiopie.
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Sculpture de l’onde à la création par Peter Jellitsch
Peter Jellitsch, architecte et artiste australien nous présente son projet baptisé Bleecker Street Documents, tentant une description de l’espace fragmenté.
Il nous explique :
« Bleecker Street Documents can be read as a fragmented space description. The project was recorded in an apartment in Manhattan (New York) with a radio wave measuring instrument over a period of 45 days. The installation deals with the attempt to make the invisible coating of a physical real-space through “WLAN-Wireless Local Area Network” visible.
- Fragment A (text): measured data
- Fragment B (object): translated notations on a plane surface
– Fragment C (image): scientific explanation of the phenomenon under study«
Peter Jellitsch analyse les signaux WI-FI durant 45 jours dans un appartement New-Yorkais.
« I used a radio-wave-measuring device several times a day in the apartment and translated the measurement result daily on paper«
Il analyse, puis modélise ses données par leur force, leur périodicité, leur localisation, lui donnant une pléiade de points.
“I am not interested in depicting something that I’ve seen in the real world,” he said at the time. “My interest lies in transforming something that I’ve seen in the virtual world.”
Bon au delà, la recherche, la réflexion, la création en elle-même reste très intéressante de sa conception à son aspect final.
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Le son est un objet projet de Bram Amendt
Bram Amendt, designer du côté d’Eindhoven nous présente Life – Patterns – Objects, une recherche sur la matérialisation du son en un objet du quotidien…
Dans sa vidéo, le designer exploite le rugissement d’un Lion pour déterminer les contours du futur vase. Toute vidéo, ou musique peut ainsi se transposer en ondes, en mouvement, en gabarit de découpage de moule.
Un filament de découpe sur un disque rotatif capable de découper de haut en bas le cylindre de polystyrène. Une fois la forme, en négatif réalisée, il suffit de recouvrir le moule d’argile pour créer, ainsi seul le créateur saura quel évènement est à l’origine de l’objet et de sa forme…
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Moga l’Art est dans le crayon par Gui Silva
Gui Silva, jeune designer portugais nous présente Moga, un projet où le crayon, à l’origine de toute création devient l’élément principal.
On use le crayon dans des croquis, puis en production, pour créer un crayon… La boucle est bouclée.
Objet entièrement réalisé à la main en olivier, acajou, aluminium et graphite, des matières mariées grâce à des techniques artisanales de fraisage, tournage, perçage, ponçage…
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Espace futur la Rock Chamber par Arik Levy
Arik Levy, designer israélien habitué du Blog Esprit Design nous présente Rock Chamber, une sculpturale création réalisée et exposée par la Fondation Bisazza sur Experimental Growth.
On ouvre les espaces, on laisse entrer un maximum de lumière, mais on s’apperçoit que les designers essayent de recloisonner, organiser ces espaces souvent trop ouverts ! Le travail de l’architecte est il suppléé par le designer ?
Arik Levy pousse cette idée plus loin encore et imagine une imposante pièce noire recouverte de mosaïque, telle une météorite arrivée de nulle part, où son espace intérieur est en totale opposition avec son aspect extérieur.
Un intérieur minimaliste, à facettes, jaune, une proposition, une vision futuriste de nos espaces de vie !
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Playing with senses l’échiquier par Makiko Shinoda
Makiko Shinoda, jeune femme designer japonaise basée en Hollande nous présente son projet baptiséPlaying with senses, un échiquier sensoriel.
Une idée de départ, « A sensory toy for a lifetime« , un jouet sensoriel pour une vie !
La relation entre les enfants et leurs jouets semble évoluer, se dématérialiser, mais le touché, la matière, l’aspect, reste pour les enfants en bas âge les choses les plus importantes. L’échiquier Playing, propose une rencontre de génération, ainsi les plus petits utiliseront les pièces comme jeu de construction, chaque pièce est différente, par sa forme, son poids, sa texture, son odeur et ne ressemble en rien à de véritables pièces d’échec.
Je vous invite à découvrir son blog, permettant de suivre l’évolution et conception de ce projet : blog Makiko Shinoda
Pièces réalisées en Cire d’abeille, céramique, bois, bronze, aluminium.
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Retro Design par Lindsey Adelman
Parce que le design ne doit pas se résumer aux tendances du moment, bois, minimalisme et aplats colorés,Lindsey Adelman, designer américaine nous présente son travail de création de luminaires et objets en laiton brossé, bronze ou nickel satiné.
Chaque pièce, telle une oeuvre d’art est réalisée à la main, chaque globe de verre soufflé, chaque soudure, un travail artisanal pour des créations uniques.
De l’or 24 carats est ajouté à certaines des créations… de véritable bijoux pour intérieur ?
Une ambiance baroque chic, où le métal, le verre et le bois se mêlent et deviennent des objets « forts » pour votre intérieur.
Depuis 2006, Lindsey Adelman a fondé son studio et s’entoure de nouveaux talents…
« We design, prototype, build, and show work in our NYC studio. Forms and ideas evolve collaboratively through 1:1 model-making and testing. The focus has mainly been on hand-blown glass and brass lighting since the studio’s inception in 2006, but has now opened up into jewelry, vessels, tiles, and wallpaper, in materials including wood, concrete, porcelain, gold, and stereolithography. With skill and care, our team of 15 and small network of local artisans manufacture each piece to order. Please contact us for a studio visit. »
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La récupération détournée devient elle du Design ?
Donald Fodness, artiste designer américain son projet Recycled Furniture Art, une ré-interprétation astucieuse d’objets de récupération.
La pièce majeure, un cadre de moto récupéré sur le bord d’une route, sur lequel il vient greffer des éléments de stockage en bois et verre parfaitement intégrés redessinant les lignes habituelles du meuble de rangement.
Une pièce doit-elle partir de zéro pour considérer la démarche Design ?
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Palmas vase origami béton par Ofir Zucker et Ilan Garibi
Ofir Zucker, jeune designer israélien s’associe à l’artiste origamiste Ilan Garibi afin de créer Palmas, une collection de vases en béton.
Un jeu de matières, où les photos ne semblent pas vouloir trahir la réelle composition de ces objets. Un moule de papier plié à usage unique dans lequel le béton est délicatement coulé, une fois l’ensemble durcit, le papier est retiré morceau par morceau.
Deux formes simples se côtoient, triangle et cercle, la structure de béton pouvant accueillir le vase de verre conique étanche.
Un moule de papier pouvant ressembler à une création de ce type :
Le béton, matière brute, voir brutale est traitée ici avec délicatesse et finesse…
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Projet Storm le calme avant le Design par Johannes Hemann
Johannes Hemann, designer expérimental allemand revient sur le Blog Esprit Design pour nous présenter Storm, une collection de mobilier – luminaire autour de la notion de projection, de tempête, Storm !
Une table de liège, un fauteuil de mousse, des abat-jour en polypropylène ou copeaux de plexiglas, tous passant par la Storm Box (boite tempête) dans laquelle matières, formes, résines, chaleur, ou colles vont se rencontrer sous l’impulsion de véritable mini-évènements climatiques.
A l’aide d’air comprimé Johannes Hemann va générer des tourbillons de matières permettant d’enrober ses objets…
« Calm before the storm – Calm after the storm » ici la tempête est maîtrisée permettant d’inverser sa logique de destruction vers la construction…
Le polystyrène et autres dérivés de plastique offrent des possibilités plus étendues..
Un projet présenté du côté de Colognes en 2009, mais qui suscite encore à ce jour au moins mon intérêt. Entre designers et savants fous, je continue ma découverte, mon apprentissage d’un monde qui regorge de créations à dénicher, à décortiquer, à essayer de comprendre…
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Design minéral par Snarkitecture
Snarkitecture, collaboration entre Alex Mustonen et Daniel Arsham designers – artistes – architectes basés du côté de Brooklyn, explore un Design presque minéral, inspiré par la nature, où architecture, art et inattendu semblent se mêler.
Je déplore trop souvent le manque de cohérence des portfolios de certains designers ou collectif, ici, Snarkitecture tient une ligne directrice où chaque création s’associe à la précédente.
Jeu de masse, de structures, d’équilibre, Snarkitecture s’amuse des codes et nous transporte dans son univers.
Bahut Break en rupture laisse apparaitre une partie de son intérieur, n’ayant résisté aux forces en action…
Etagères Shelves, entièrement réalisée en bois et fibre de verre se joue des paysages montagneux escarpés pour ici les retourner afin de vous offrir une surface plane et rectiligne.
Lampe Cast Light, fait de plâtre travaillé et d’une source lumineuse LED, chaque pièce est unique et détériorée à la main.
Table basse Float, de marbre et de plâtre, une nouvelle fois la matière semble se dérober, s’éroder avec le temps qui passe…
Excavated Mirror, un miroir topographique où strates et matières sont apparant.
Slab Table, reprenant le même principe que les étagères Shelves mais le tout reposant sur des pieds rigides, l’ensemble réalisée en bois, mousse EPS et plâtre donne l’impression d’être très lourd…
Slip bench, un banc donnant l’illusion de s’effondrer le poids de ses occupants…
Et pour le plaisir, the Ghost Chair…
Leur philosophie :
« Snarkitecture is a collaborative practice operating in territories between the disciplines of art and architecture. Working within existing spaces or in collaboration with other artists and designers, the practice focuses on the investigation of structure, material and program and how these elements can be manipulated to serve new and imaginative purposes. Searching for sites within architecture with the possibility for confusion or misuse, Snarkitecture aims to make architecture perform the unexpected. »
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Abstractions Anonymes par 404 Concept
404 Concept, un duo d’artistes où la rencontre entre Pierre Coulanges graphiste et Jérôme Béguier architecte d’intérieur fait des étincelles.
L’exposition Abstractions Anonymes du 04 Octobre 2012 au 04 Novembre 2012 à la Galerie Sans titre Lyon, explore les frontières entre la figuration et l’abstraction au travers une oeuvre principal composée de peintures et modules suspendus de carton et bois colorés.
Du point de vue du spectateur se créent des jeux d’illusion sur la perception du mur, alors que les modules en rotation apportent de la profondeur et du mouvement à l’oeuvre.
Les artistes :
« Le 404 concept est un duo d’artistes issu de la collaboration entre le graphiste Pierre Coulanges (Keim) et l’architecte d’intérieur Jérôme Béguier (Zics). En 2005 ils décident de collaborer pour se spécialiser dans les peintures murales, installations et illustrations. Tous deux originaires du sud de la France, ils se rencontrent par l’intermédiaire du « street art » et ils réalisent alors leurs premières oeuvres en commun.
Zics étudie alors à L’ESMA (Ecole Supérieure des Métiers d’Art) de Montpellier et Keim à Bellecour à Lyon. Après leurs diplômes, ils travaillent pendant trois ans pour des agences ainsi qu’en free lance.
Les artistes exposent à Paris, Lyon, Marseille et Londres, ils vivent actuellement en France et en Grande Bretagne, Zics à Londres et Keim à Grenoble. »
Le making of :
